Type de transition qui consiste en la disparition progressive d'une image tandis qu'une autre apparaît pour la remplacer. Contrairement à la transition par coupe, dont le but est souvent de passer inaperçue, l’objectif du fondu enchaîné est d’être vu par le spectateur pour créer une signification, qu’il s’agisse d’un retour vers le passé, d’une ellipse ou d’une identification ou un contraste des formes. Cette technique peut également être simplement utilisée pour son aspect esthétique, sans signification nécessaire. Enfin, si le passage d’un plan à un autre contient un défaut, le fondu enchaîné est une solution plausible pour atténuer le mauvais effet.
Le fondu enchaîné, ou fondu image, apparaît avant le cinéma. En effet, dans les spectacles de lanterne magique, comme les fantasmagories ou les spectacles d’épouvante de la fin du 18e et du début du 19e siècle, l’image se fondait à partir d’un premier projecteur (lanterne magique) tandis qu’une nouvelle image apparaissait avec un second projecteur. Les premiers films des pionniers du cinéma tels que Georges Méliès sont à l’origine du fondu enchaîné dans le septième art, notamment dans différents trucages. Le fondu enchaîné prend progressivement son sens en tant que marque de passage du temps vers le futur ou le passé, ou du rêve à la réalité, comme dans Rêve et réalité (1901) de Ferdinand Zecca, dans lequel un homme embrasse une jolie femme qui, après un fondu enchaîné, est montrée comme étant très laide.
L’objectif du fondu-enchaîné est d’être vu par le spectateur pour créer une signification, qu’il s’agisse d’un retour vers le passé, d’une ellipse ou d’une identification ou un contraste des formes
Dans la séquence initiale de la mort de Charles Foster Kane dans Citizen Kane (1942) d’Orson Welles, l’approche du château est réalisée à partir de plusieurs fondus enchaînés qui conservent tous la lumière de la fenêtre du bâtiment au même endroit du cadrage. Dans le moyen métrage La Jetée (1962) de Chris Marker, réalisé à partir d’une voix off, de musique et d’images figées, la principale forme de transition est le fondu enchaîné. Dans Taxi driver (1976) ou After hours (1985), Martin Scorsese utilise une figure de style propre en fondant les personnages qui se rapprochent en marchant du fond vers le premier plan pour ainsi réduire la durée du trajet.
Apocalypse now
Apocalypse Now | Francis Ford Coppola, 1979, États-Unis
Adaptation libre de la nouvelle de Joseph Conrad, Au cœur des ténèbres, le film nous raconte comment, pendant la guerre du Viêt Nam, et probablement vers 1969, le capitaine tourmenté de l’armée américaine, Benjamin L. Willard (Martin Sheen), reçoit à Saïgon directement de ses supérieurs une mission top secret qui changera sa vie à jamais : trouver et tuer le colonel Kurtz (Marlon Brando), un militaire à la carrière sans tache qui semble avoir perdu la tête en se réfugiant au cœur du Cambodge auprès de la tribu des Montagnards, qui le vénère tel une déesse primitive. Pour cela, Willard devra remonter la rivière Nung à bord d’un patrouilleur de la marine avec seulement quelques soldats.
Si nous ne pouvons pas expérimenter comme les pionniers du cinéma, comment allons-nous réussir à faire progresser le cinéma ? Comment les films de nos petits-enfants seront-ils ?
Francis Ford Coppola
(1939)
Considéré comme l’un des réalisateurs les plus importants et influents de tous les temps, le mythique Francis Ford Coppola, figure emblématique incomparable du nommé Nouvel Hollywood, est né à Détroit, le 7 avril 1939, au sein d’une famille d’émigrants napolitains. Fils du compositeur Carmine Coppola et de l’actrice Italia Pennino Coppola, à 9 ans, il est atteint de la poliomyélite, une maladie qui l’oblige à rester alité pendant une grande partie de sa jeunesse et à dépendre des soins de ses aînés. Après s’être diplômé à l’école de cinéma de l’université de Los Angeles, il collabore avec Roger Corman dans plusieurs films d’horreur, un travail qu’il concilie avec ses premiers projets en tant que réalisateur, qui reçoivent une réponse mitigée du public et de la critique. En 1970, il reçoit le premier de ses six Oscars pour son scénario dans Patton, de Franklin J. Chaffner. Cet Oscar motive la Paramount à lui confier le scénario et la réalisation de Le Parrain (1972). Récompensé par trois autres prix de l’Académie, le film fait un véritable tabac dans les salles jusqu’à devenir encore aujourd’hui un symbole authentique du meilleur du cinéma des années 70. Réalisée lorsqu’il n’a que 33 ans, l’adaptation shakespearienne du roman de Mario Puzo démontre la grande maturité créative de Coppola en tant que cinéaste. Grâce à ce film, Francis Ford Coppola obtient l’argent et le prestige nécessaires pour développer et produire ses propres films à travers l’American Zoetrope, l’entreprise qu’il crée en 1971 et dans laquelle travailleront des réalisateurs comme Martin Scorsese et George Lucas. Avant de s’embarquer littéralement dans son plus grand chef-d’œuvre, le monumental Apocalypse Now (1979), Coppola connaît à nouveau un franc succès avec Le Parrain II (1974), le retour à la saga de Puzo qu’il achèvera en 1990 avec Le Parrain III. Le tournage d’Apocalypse Now aux Philippines, qui dure plus de deux ans, connaît toute une série de mésaventures, y compris un typhon qui ravage une bonne partie des décors. Le film est une expérience usante pour toute l’équipe : Coppola doit hypothéquer sa propre maison pour obtenir le financement nécessaire permettant de terminer le tournage, et Martin Sheen frôle la mort suite à une crise cardiaque. Dans les années 80, le manque de succès commercial de cet indiscutable chef-d’œuvre (que le réalisateur remonte et relance en 2001 sous le titre Apocalypse Now Redux), uni à l’échec cinglant du visionnaire Coup de cœur (1982), constitue la fin de l’American Zoetrope et oblige Coppola à tourner des films à plus petit budget, mais tout aussi mémorables : Outsiders (1983), Rusty James (1983) ou encore Cotton Club (1984). En 1990, le succès retentissant de Le Parrain III lui permet de s’embarquer à nouveau dans des projets plus grands et plus opératiques, comme son œuvre Dracula (1992), tout aussi bien accueillie. Ensuite apparaîtront des titres beaucoup plus conventionnels et « digestibles », comme Jack (1996) ou L’Idéaliste (1997). À l’arrivée du nouveau millénaire, il se consacre presque exclusivement à la production de films d’autres réalisateurs (comme ceux de sa propre fille, la très intéressante Sofia Coppola), au tournage ponctuel de ses propres projets à très faible budget (comme Tetro en 2009 ou Twixt en 2011) ainsi qu’à ses entreprises dans des secteurs si différents du monde du cinéma, comme l’industrie viticole et l’hôtellerie. En 2015, il reçoit le prix Princesse des Asturies des arts.
